Tidigare blogginlägg

ALL TIME BEST #38: "Some girls"

THE ROLLING STONES: Some girls (Rolling Stones, 1978)

I EN TILLSPETSAD JÄMFÖRELSE ÄR JAG mer Beatles-fantast än en Rolling Stones-dito. Så har det varit genom alla år utan att jag har kunnat undgå många, många fantastiska klassiker, underbara rocklåtar och flera helgjutna album med Stones. På listan har jag redan uppmärksammat ett par av bandets 60-tals-skivor, ”Beggars banquet” och ”Let it bleed”, och givetvis finns ”Exile on Main St” med bland favoriterna men lite längre ned på min tufft rangordnade lista
   Men 70-talet var i mina öron bandets bästa decennium som albumgrupp och som deras allra bästa skiva vill jag väldigt bestämt utnämna ”Some girls”. En skiva som tog tillbaka rockkänslan i gruppen och alla medlemmarna svarade med att prestera både spontan, genomarbetad och mycket inspirerad rockmusik.
   Trots många starka skivor på 70-talet fanns där också uppenbara svackor i skivproduktionen. Exempelvis tappade jag överraskande intresset för gruppen 1973 med ”Goats head soup” fast jag såg bandet live vid samma tillfälle. Ointresset fortsatte över tämligen mediokra album som ”It’s only rock’n’roll” (1974), Mick Taylor sista skiva med bandet, och ”Black and blue” (1976), där flera gitarrister delade på utrymmet som Taylor hade lämnat efter sig.
   Mitt i den lite nedåtgående trenden kom ”Some girls” som en överraskande energiinjektion. Efter många om och men under flera år var Ronnie Wood nu fullvärdig medlem i Rolling Stones som efter minsta möjliga perfekta förberedelser (Keith Richards drogäventyr 1977 i Kanada och Toronto som höll på sluta med fängelse) ändå fungerade som en sammansvetsad grupp igen.
   Stones hade skrivit nytt skivkontrakt med EMI, fast på sin egen etikett, och nya skivan skulle spelas in i den berömda Paris-studion Pathé Marconi. Och inspirationen var onekligen på topp. Bara det faktum att Keith Richards återigen stavade sitt efternamn med ett s på slutet får väl betraktas som en pånyttfödelse av stora mått.
   Även flera Stones-medlemmar framhåller ”Some girls” som en stor kreativ framgång. Keith Richards skriver i sin bok ”Livet”:
   ”Från den stund vi började repa i den konstigt utformade Pathé Marconi-studion i Paris så hade 'Some girls' medvind. Det var en vitalisering, vilket var märkligt i denna mörka stund när det var möjligt att jag skulle få fängelsestraff och bandet skulle läggas ner.
   Vi hade överhuvudtaget inte förberett. Allting skrevs i studion, dag för dag, låtarna bara flödade. En annan stor skillnad från tidigare album var att vi inte hade några utomstående musiker med oss, inga blåsinstrument, ingen Billy Preston. Extraprylarna lade vi på senare. Det här var vår skiva och eftersom det var Ronnie Woods första album med oss så handlade det mycket om gitarrvävandet på låtar som ”Beast of burden”. Vi var mer fokuserade och vi fick jobba hårdare.”

INTE ENS DET ANNARS SÅ OBLIGATORISKA blåset Bobby Keys/Jim Price saknas och tjejkörerna, som präglat så många Stones-inspelningar på 70-talet, fInns inte heller där. Keyboards-påläggen på två låtar gjordes av Woods gamle kollega från Faces, Ian ”Mac” McLagan, och engelsmannen Mel Collins, som turnerade med bandet 1976, spelade saxofonsolot på ”Miss you”. Och en tidigare okänd speciell kille spelade munspel. Mer om det senare.
   Det hörs med all tydlighet att ”Some girls” är ett rutinerat band som är på tå som just har fått en medlem som vill visa upp alla sina positiva sidor. Förutom att Wood spelar gitarr på alla låtar spelar han också steelguitar och slide på flera låtar. Och hela skivan är väldigt gitarrorienterad då även Mick Jagger spelar elgitarr på flera låtar. Även Ronnie Wood är nöjd med ”Some girls”. Han har sagt:
   ”’Some girls’ är ett av de Rolling Stones-album jag gillar bäst av dem jag har varit med på. På många sätt var ’Some girls” vårt sätt att fira att Keith var tillbaka, men jag uppskattade även samarbetet med Mick”.
   Det var alltså ett hårt fokuserat Stones som gjorde ”Some girls” men de sneglade också på den samtida musikutvecklingen. 1977-1978 stod discon högt i kurs och punkens utbrott gick inte heller spårlöst förbi.
   Första låten och sedermera den stora hitsingeln ”Miss you” är Stones och Mick Jaggers sätt att hämta energi i discomusiken. Jag kan inte säga att det 1978 var min älsklingslåt på skivan men jag upptäcker nu hur enormt fint driv inspelningen har och hela låten är ju lika mycket soul och rock som disco. Och när den då okände munspelaren Sugar Blue blåser till står tiden nästan still.
   Bluesmusikern Sugar Blue, eller James Whiting som han egentligen heter, från New York hade Mick och Keith hittat när han stod och spelade munspel på gatorna i Paris. Han spelar även på titellåten och hans uppträdande gav eko i rockvärlden och han fick snart göra egna skivor.
   Den rådande punkenergin genomsyrar låtar som ”Shattered”, ”When the whip comes down” och ”Respectable” medan fantastiska låtar som titellåten och ”Beast of burden” har gått till historien som Stones-klassiker.
   Och bland all denna grannlåt pressar bandet in en klockren countrylåt med ironisk profil, ”Far away eyes” och lyckas även med konststycket att göra en Motown-cover, Temptations ”Just my imagination”, till en av skivans stora höjdpunkter.

”JUST MY IMAGINATION”. albumets enda coverlåt, tillhör höjdpunkterna på Rolling Stones bästa 70-talsskiva.



/ Håkan

ALL TIME BEST #39: "Everybody knows this is nowhere"

NEIL YOUNG With Crazy Horse: Everybody knows this is nowhere (Reprise, 1969)

DET HÄR ALBUMET, NEIL YOUNGS ANDRA soloalbum, tillhör klart och tydligt 60-talet men musikaliskt och soundmässigt befinner sig Young och hans kompband några år framåt i tiden. Det här är kompromisslös 70-talsrock som kanske inte tar ut svängarna med stort självförtroende men ”Everybody knows this is nowhere” är en förnämlig startpunkt på en karriär och ett samarbete som genom åren har blivit legendariskt.
   Jo, jag vet att Neil Youngs solokarriär bokstavligen startade innan det här albumet släpptes i maj 1969. Men ”Neil Young” (januari, 1969) är i allra högsta grad en ojämn skiva där två instrumentala låtar och Jack Nitzsches tunga stråkarrangemang på många låtar tar fokus från Neil Young-patenterade kanonlåtar som ”The loner” och ”I've been waiting for you”. Efter den skivan tog det bara några månader innan Neil Young, nu med kompbandet Crazy Horse bredvid sig, fick stor revansch.
   Neil Young startade sin professionella karriär några år tidigare. Efter några anonyma år i mitten på 60-talet i grupper som The Squires och The Mynah Birds var det från 1966 i Buffalo Springfield som Neil Young började komma till sin rätt som sångare, låtskrivare och gitarrist. Konkurrensen i bandet från främst Stephen Stills var dock stenhård. Redan under åren i Springfield, 1966-1968, gissar jag att Neil hade en solokarriär i sikte medan hans låtskrivande blev allt starkare och bättre. Hans Springfield-låtar ”On the way home”, ”I am a child” och ”Mr Soul” följde ju med honom in i solokarriären och även till Crosby, Stills, Nash & Young-repertoaren.
   Det var under de första Buffalo Springfield-åren som fröet till Crazy Horse såddes men ingen visste det då. Neil kom i kontakt med gruppen The Rockets som då hade en egen karriär och gav ut ett album 1968. De tre viktigaste medlemmarna i bandet var gitarristen Danny Whitten, basisten Billy Talbot och trummisen Ralph Molina och när Neil Young i januari 1969 ville ha ett fast kompband kontaktade han dem. ”To me, those guys were the american Rolling Stones”, som han förklarade.
   De gick omedelbart in i studion och efter bara en vecka tillsammans spelades ”Down by the river” in. Redan där var det uppenbart att det här var en kvartett som passade ihop som hand i handske. Med två gitarrer, bas, trummor och inte minst profilerad stämsång skulle det här bli ett samarbete som kom att fungera i decennier framöver. Inte oavbrutet men Neil har hela tiden men oregelbundet ständigt återvänt till sina Crazy Horse-kompisar. Nu senast på albumet ”Barn” som släpptes strax före jul förra året.
   En sedvanligt rastlös Neil ville snabbt spela in hela sitt andra album men först en mängd spelningar på The Bitter End i New York och The Troubadour i Hollywood innan jobbet i studion fortsatte med en härlig energi och inspiration.
   Energin var så stark att på samma dag spelade det här gånget in ”Cinnamon girl”, fortsatte med den minst lika rockiga titellåten och tonade ner lite på ”Round & round (it won't be long)”, en akustisk lite drömmande sång där Los Angeles-sångerskan Robin Lane hjälper till med sången. ”Cinnamon girl” har med tiden blivit en av Neil Youngs mest kända låtar som här presenteras i sin originalversion som är blott tre minuter lång. Men det finns andra låtar på albumet som efter klassisk Neil Young-modell ligger runt tio minuter.
   Redan nämnda ”Down by the river” är drygt nio minuter lång där körande från de tre Crazy Horse-medlemmarna förstärker känslan och ger inspelningen djup mellan allt duellerande på gitarrerna. En annan av Neil Youngs milstolpar som får sin debut på skiva här är ”Cowgirl in the sand” som faktiskt passerar tio minuter av alldeles fantastisk och elektrisk rockmusik och samspelet mellan Neil och Crazy Horse är ofelbart. ”Down by the river” och ”Cowgirl in the sand” skrevs samma dag av en febersjuk (nästan 40 grader) Neil.
   Men Neil Young är inte Neil Young om han inte pendlar mellan det elektriskt skrikiga och akustiskt finstämda på en skiva. Ovannämnda ”Round & round (it won't be long)” är i både tempo och arrangemang en mjuk sinnlig pärla och ”Running dry (Requiem the Rockets)” är ännu mjukare med fiol spelad av Bobby Notkoff, även han Rockets-medlem, och ren folkmusikkänsla i botten. För att bevisa Neil Youngs ambition på variation finns här också den country-inspirerade ”The losing end (when you're on)” som inte liknar något annat på skivan.
   Ja, det var som om Neil Young och grabbarna i bandet helt omedvetet skissade på popmusikens framtid samtidigt som de i de mest elektriska sekvenserna uppfann rockmusiken.

”EVERYBODY KNOWS THIS IS NOWHERE” är inte den mest kända låten på Neil Young-albumet men titellåten symboliserar skivans elektriska sound på ett perfekt sätt.



/ Håkan

Örebro: Trädgårdsgatan 23-25

BRF RÄVEN/ROCKKLUBBEN RÄVEN


På Trädgårdsgatan 23-25 ligger Brf Räven.


Bostadsrättsföreningen Räven var värd för flera konserter 2013.

NÄR DEN NUMERA NATIONELLT KÄNDA musikfestivalen Live at Heart introducerades 2010 utökades antalet frekventa musikställen i Örebro med ett stort antal restauranger där levande musik aldrig tidigare hade framförts. Festivalgeneralen, konsertarrangören och då skivbutiksägaren Anders Damberg, tillsammans med Johannes Nilsson, kom också på den revolutionerande idén att arrangera konserter på privata adresser runtom i Örebro. I samband med festivalen men också helt fristående konsertarrangemang vid andra tidpunkter.
   Jag nämnde en adress, Lagmansgatan, för en månad sedan och snart dyker adresser som Skolgatan och Prinsgatan i min serie om konsertställen.
   Idag ska jag beskriva två konserter under 2013 som gick av stapeln på Brf Räven i centrala Örebro. Jag har valt att peka ut adressen på Trädgårdsgatan men gården och kvarteret har egentligen tre adresser med ingång även från Manillagatan och Rudbecksgatan, där Damberg själv för övrigt bodde vid tillfället.
   Den ena konserten på adresserna, med amerikanska bandet Mercy Brothers, utspelade sig utomhus på gården och och den andra med amerikanen Bob Woodruff genomfördes inomhus i november i en samlingslokal som för tillfället hade fått namnet Rockklubben Räven.


Amerikanska gruppen The Mercy Brothers spelade svängig gospelrock på gården vid Brf Räven i juli 2013.

THE MERCY BROTHERS 30/7 2013 Brf Räven
BOB WOODRUFF 24/11 2013 Rockklubben Räven

/ Håkan

Örebro: Olaigatan 11

HAVANA GRILL & BAR


Den legendariska restaurangen, med namn som Maxim och Havana, i hörnet Olaigatan/Klostergatan heter numera Art Bar.


Foto: Per Torgén/Örebro Läns MuseumPå Havana Grill & Bar såg jag några konserter.

FÖR MIG SOM ÄR GAMMAL ÄR restaurangen i hörnet Olaigatan/Klostergatan ständigt förknippad med 80-talets Maxim som efter många år som Havana Grill & Bar numera heter Art Bar. Maxim var på 80- och 90-talet en känd (ökänd?) pizzeria/restaurang - men då utan någon som helst musikunderhållning. Däremot var det tidigt 80-tal lagstadgad obligatorisk matservering och den där löksoppan åkte in på bordet fast man egentligen bara var törstig.
   I december 2011, enligt mina noteringar, bytte restaurangen ägare och namnet blir Havana Grill & Bar. Om minnet inte spelar ett spratt tror jag det gamla namnet Maxim sedan dök upp på Rudbecksgatan på en helt annan restaurang.
   Havana Grill & Bar blir alltså det nya namnet på restaurangen på Järntorget och hade väl vad jag förstår, utan att jag besökte lokalen under kvällstid, under flera år lokala trubadurer som lockade stora mängder med kunder kring helgerna. Det var vid ett sådant lössläppt evenemang, med fri entré, på Långfredagen 2013 som jag första gången besökte Havana för levande musikunderhållning.
   Det var duon Richard Lindgren/Olle Unenge som gjorde ett tämligen spontant uppträdande i samband med att Lindgren befann sig i Örebro för skivinspelning som ett resultat av det Live at Heart-stipendium han hade tilldelats 2012.
   Drygt tre år senare fick konsertarrangören Anders Damberg, ständigt denne Damberg, en lysande(!) idé att på en lördagskväll i november arrangera en minifestival. Fick namnet Rubber Duck Saturday, efter den jättelika gummiankan som hade blivit kvar efter Open Art i Örebro, och genomfördes på tre olika krogar på Järntorget där Havana blev ett konsertställe.
   Jag såg Karlstadskillen Bobby Sant och engelsmannen Sean Tyla på Havana innan jag upplevde Mohlavyr på Heavens Door och ännu en gång Tyla på Sweet Chili.

Sean Tyla på Havana Grill & Bar med Ludvig van Rock på gitarr..

RICHARD LINDGREN & OLLE UNENGE 29/3 2013 Havana Grill & Bar
BOBBY SANT/SEAN TYLA 21/11 2015 Havana Grill & Bar/Rubber Duck Saturday

/ Håkan

ALL TIME BEST #40: "The lonesome jubilee"

JOHN COUGAR MELLENCAMP: The lonesome jubilee (Mercury, 1987)

I AUGUSTI 1987 TOG JOHN COUGAR MELLENCAMP ett avgörande steg upp i sin hittills tämligen långa karriär och blev musikaliskt jämbördig med Bruce Springsteen bland de amerikanska manliga rockartisterna. När Bruce sjöng om New Jersey sjöng Mellencamp om sitt Indiana.
   Det var med sitt nionde album som Mellencamp tog fram en lite lantligare touch på sin rockmusik än den rasande energiska och lite anonymt bredbenta gitarrock som tidigare hade varit hans recept. John hade plötsligt upptäckt folkmusik och country som han kom att blanda upp i sin annars elektriskt laddade rockmusik.
   Fortfarande fanns det rötter i det gamla hederliga Stones-liknande soundet. Men det var med en förbluffande säkerhet han hade utvidgat soundet med för honom udda instrument som fiol, dragspel, mandolin, banjo med mera.
   Tack vare sin styrka som låtskrivare innehöll ”The lonesome jubilee” ett otal mycket starka låtar. På det stilfulla omslaget kamperar Mellencamp tillsammans med en vanlig arbetare och i texterna på skivan står han tydligt med båda fötterna på deras sida. Han sjunger romantiskt och melankoliskt om sitt arbetarklass-USA.
   ”Down and out in the paradise” är formad som ett brev till presidenten från arbetslösa och på ”We are the people” sjunger han om samhällets svaga. På ytterligare ett handfull antal låtar är både text och musik ett gediget hantverk.
   Mellencamps kompband hade på den här skivan växt till en stor och mäktig enhet där Lisa Germano, fiol, Larry Crane, på diverse gitarrer, och den mäktige trummisen Kenny Aronoff var några av de mest framträdande.
   Att skivan innehåller en mängd starka låtar fick jag själv uppleva när Mellencamp med sitt kompband, som var helt identiskt med bandet på skivan, följde upp ”The lonesome jubilee” med en ett år lång världsomfattande turné från september 1987 till augusti 1988. I januari 1988 kom de till Sverige och Isstadion i Stockholm och framförde många av skivans låtar.
   Konserten hade genomgående ett högt tempo men efter paus lyfte nästan taket. Då följde de rockigaste och bästa låtarna i en enda rad utan uppehåll eller andhämtning fram till den fina finalen med ”Pink houses” med spontan allsång och allt.
   Han jorde en fin version av ”Like a rolling stone” bland extralåtarna och hela konserten avslutades med ”Cherry bomb”, den kanske mest kända låten från ”The lonesome jubilee”, i en helt upplyst ishall.
   Mellannamnet ”Cougar” fanns 1988 fortfarande med i John Mellencamps artistnamn. 1976, när Mellencamp inledde sin skivkarriär, tyckte dåvarande managern att det tyskklingande efternamnet var svårt att marknadsföra och han fick artistnamnet Johnny Cougar på debutalbumet ”Chestnut Street incident” (1976) och på uppföljaren ”A biography” (1978).
   Ett nytt management gav honom det lite vuxnare namnet John Cougar mellan 1979 och 1982 och från 1983, och albumet ”Uh-Huh”, var hans namn John Cougar Mellencamp.
   Denne John Cougar Mellencamp slopade ”Cougar” i sitt artistnamn 1991 och han kanske inte höll sig kvar på Springsteens exklusiva nivå men "The lonesome jubilee" är tveklöst en härlig 80-talspärla.

”CHERRY BOMB”, från ”The lonesome jubilee”, tillhör John Cougar Mellencamps mest kända låtar och var albumets mest populära singellåt.



/ Håkan

Örebro: Stortorget 7-9

LEVEL BAR & KÖK


Där Trattorian Cuzina Italiana nu ligger i hörnet Stortorget/Kungsgatan låg under flera år Level Bar & Kök med konsertverksamhet på menyn.


Level Bar & Kök var ett populärt after work-ställe men även utomhus på sommaren lockade restaurangen mycket folk.

FRAM TILL VÅREN 2011 LÅG I HÖRNET Kungsgatan/Stortorget i Örebro en radio/tv-affär innan lokalen byggdes om och döptes till Café La Deuse. Bara ett drygt halvår senare, juni 2012, fick restaurangen ett nytt namn, Level Bar & Kök, och redan samma år i september inleddes konsertverksamhet i lokalen.
   2013, 2014 och 2015 arrangerades konserter på Level, i samband med Live at Heart-festivalen men också helt fristående konserter.
   Efter Level Bar & Kök-epoken hette restaurangen för en kort tid Cazanova men heter idag Trattorian Cuzina Italiana men utan konserter på menyn.

Foto: Anders ErkmanBegåvade Niclas Ekholm uppträdde på Level 2013 under Live at Heart-festivalen.

RICHARD LINDGREN8/9 2012 Level/Live at Heart
MATHIAS LILJA 4/9 2013 Level/Live at Heart
NICLAS EKHOLM/MATHIAS LILJA 5/9 2013 Level/Live at Heart
RICHARD LINDGREN 9/11 2013 Level Bar & Kök
DAVID SÖDERGRENS HOT FIVE 28/12 2013 Level
"LIVE AT HEART" JARON FREEMAN-FOX & SIMON NYBERG/ELLA THE BIRD (SIOBHAN WILSON)/SHOUTIN' RED 3/9 2014 Level/Live at Heart
GOOD HARVEST 4/9 2014 Level/Live at Heart
BOBBY SANT 4/9 2014 Level/Live at Heart
DEADMAN 3/11 2014 Level
SHAMROCK 7/2 2015 Level
EVA STENSTRÖM LIMITED 2/9 2015 Level/Live at Heart

/ Håkan

ALL TIME BEST #41: "Highway 61 revisited"

BOB DYLAN: Highway 61 revisited (Columbia, 1965)

AV ALLA BOB DYLANS SÅ KALLADE legendariska 60-talsalbum har ”Highway 61 revisited” en speciell plats i mitt hjärta och huvud. Historiskt sett är den inspelad och utgiven under väldigt speciella förhållanden sommaren 1965 när Bob Dylan förvandlades från den ensamme trubaduren med akustisk gitarr till en elektrisk rockartist med en hel grupp i ryggen. Det var en turbulent tid och förändringen mottogs inte positivt överallt.
   Bob Dylan var trubaduren och protestsångaren som 1962, när han skivdebuterade, var den nya generationens motsvarighet till Woody Guthrie. Guthrie var Dylans stora förebild och på första skivan ”Bob Dylan” skrev och framförde han hyllningslåten ”Song to Woody”, en av bara två egna låtar på albumet som i övrigt innehöll en massa folkmusikstandardlåtar. Framförda helt på egen hand med akustisk gitarr och munspel.
   Året efter, 1963, på Bob Dylans andra album, ”The freewheelin' Bob Dylan”, var innehållet på skivan det omvända. Elva av 13 låtar kom från hans egen penna och med facit i hand kan vi konstatera att han redan här hade mer än ett fång oförglömliga egna låtar i bagaget. Exempelvis har ”Blowin' in the wind”, ”Masters of war”, ”A hard rain's a-gonna fall” och ”Don't think twice, it's alright” tillhört Bob Dylans mest kända repertoar i många år. Fortfarande spelade han allt helt solo med undantag för den traditionella ”Corrina, Corrina” där han kompades av ett band.
   Från början producerades Bob Dylan av talangscouten, skivproducenten och upptäckaren John Hammond men under inspelningarna till det andra albumet skulle den svarte producenten Tom Wilson komma in och ersätta Hammond. Wilson, med en udda och märklig bakgrund i jazzsammanhang, skulle bli mannen som kontroversiellt styrde över Bob Dylan från helt akustisk musik till elektrisk rock. Men förändringen skulle komma långsamt.
   Wilson producerade de fyra i april 1963 inspelade låtarna på ”The freewheelin' Bob Dylan”, bland annat ”Girl from the north country”, men både här och på de följande två albumen, ”The times they are a-changin'” (1964) och ”Another side of Bob Dylan” (1964), var Bob Dylan fortfarande helt själv på skivorna.
   Men Wilson, som 1964 också producerade Simon & Garfunkels skivor, hörde Byrds första poppigt arrangerade versioner av Dylan-låtar och anade att den elektrifierade folkmusiken, så kallad folkrock, hade en framtid. Tillsammans med Dylan fick han upp ögonen (och öronen) för elektriska instrument och i januari 1965, för inspelningen av femte albumet "Bringing it all back home", engagerades ett större kompband.
   Alla inspelningarna med band fungerade perfekt men Dylan valde ändå att dela upp albumet på en elektrisk och en akustisk sida. Han turnerade fortfarande ensam och skulle göra det under våren 1965 med åtta spelningar i England som dokumenterades av filmaren D A Pennebaker och det resulterade i den berömda ”Don't look back”-filmen.
   Nu hade Dylan spelat både akustiskt och elektriskt och var nu mogen för att testa det elektriska rock'n'roll-soundet fullt ut när han gick in i studion i mitten på juni 1965.
   Några av musikerna från skivan innan fanns kvar i kompet, trummisen Bobby Gregg och pianisten Paul Griffin, men det var några nykomlingar som kom att påverka det nya soundet allra mest, gitarristen Mike Bloomfield och organisten Al Kooper. Bluesintresserade Bloomfield spelade annars i Paul Butterfield Blues Band och Kooper, som vid den här tidpunkten var mest känd som låtskrivare, var också gitarrist men hamnade av en tillfällighet bakom orgeln vilket skulle visa sig vara ett lyckokast i Dylans nya sound.

FRÅN DE TVÅ FÖRSTA DAGARNAS inspelningar var det bara ”Like a rolling stone” som kom med på ”Highway 61 revisited”. Dylan hade tagit låtskrivandet till en ny fantastisk nivå och två veckor efter inspelningen gavs den ut på singel i sin hela makalöst långa (6:13, fast på etiketten står det 6:00...) form. En historisk inspelning som också skulle bli Wilsons sista Dylan-inspelning. En kontrovers i studion huruvida Al Koopers improviserade spel på Hammond-orgeln skulle skruvas upp (som Dylan ville) eller inte (som Wilson ville) ledde till ett plötsligt och oväntat slut på samarbetet. Vilket fick till följd att inspelningarna för Dylans nästa album tog en oplanerad paus innan Bob Johnston utsågs till ny producent.
   Som artist och låtskrivare började Johnston sin bana i musikbranschen redan på 50-talet och i mitten på 60-talet arbetade han som producent på skivbolaget Columbia där han bland annat producerade Patti Page och faktiskt Aretha Franklin. Nu blev Johnston hastigt och lustigt Bob Dylans producent och blev honom trogen till 1973 och albumet ”Dylan” när artisten tillfälligt lämnade skivbolaget.
   Innan inspelningarna till Dylans nya album återupptogs i slutet på juli 1965 ville han testa sound och arrangemang på en livepublik och valde Newport Folk Festival där han kompades av Paul Butterfield Blues Band med Mike Bloomfield och en tillfälligt inhyrd Al Kooper. Där möttes Dylan av buanden och glåpord av en publik som inte alls respekterade folkmusikkartistens nya elektriskt rockiga sound.
   Den incidenten hindrade dock inte Dylan att fyra dagar efter festivalen gå in i studion igen tillsammans med samma rockinfluerade komp som tidigare och under fyra dagar spela in resten av det album som skulle få titeln ”Highway 61 revisited”. Under de här magiska dagarna runt månadsskiftet juli/augusti spelade de också in ”Positively 4th Street” som otroligt nog inte fick plats på albumet utan gavs ut som singel i september bara några dagar efter albumreleasen. Mycket märkligt.
   ”Positively 4th Street” kunde alltså ha blivit ännu en uppmärksammad albumlåt och gjort ”Highway 61 revisited” till ett ännu starkare album – som förmodligen hade hamnat ännu högre upp på min All Time Best-lista. Men det finns tillräckligt med höjdpunkter som lyfter mitt Bob Dylan-intresse till himmelska höjder.
   Jag tänker inte bara på den rent legendariskt långa (11:21) låten ”Desolation row” som avslutar albumet på ett rent underbart sätt. Tillfälligt inhoppande Charlie McCoys akustiska gitarr förädlar arrangemanget på ett närmast omöjligt sätt.
   Men en låt kan inte göra ett helt album och jag har en handfull andra favoritlåtar som befinner sig på nästan samma geniala nivå. Jag tänker inte på de mer eller mindre bluesinfluerade rocklåtarnas effektiva rytmer, där ”From a Buick 6” är en bortglömd pärla, som visar att Dylan med elektrifierat band sommaren 1965 tog rockmusiken ett steg upp.
   Nej, mina stora favoritsekvenser på albumet, vid sidan av ”Desolation row”, är dramatiken i ”Ballad of a thin man”, introt som doftar Brill Building i ”Queen Jane approximately” och den smakfulla väven av gitarrer och piano i ”Just like Tom Thumb's blues”.

”DESOLATION ROW” tillhör Bob Dylans absolut bästa låtar och jag blir aldrig trött på alla verser och Charlie McCoys snirklande akustiska gitarr.



/ Håkan

Januari 2022 på Håkans Pop

HÅKANS POP 2022 FICK EN INTENSIV RIVSTART. Innan 17 januari när jag återupptog min lista All Time Best Albums publicerade jag artiklar varje dag, ibland flera gånger samma dag. Varannan dag inventerade och presenterade jag hela innehållet i alla kategorierna på Håkans Pop. På de andra dagarna intensifierade jag bidragen till min serie om platser i Örebro där jag har upplevt konserter. Och sedan lite annat smått och gott under januari.
   Under årets första veckor tog jag mig också tid att som tillfällig Disney+-abonnent se två Beatles-relaterade programserier, ”Get back” och ”McCartney 3, 2, 1” och sedan skriva om det. Underbara och tidskrävande upplevelser som rekommenderas. I samband med de programmen tipsade jag om böcker att läsa parallellt med tittandet, ”Get back” (med undertiteln ”The Beatles' Let it be Disaster”) respektive Ian MacDonalds bok ”En revolution i huvudet”.
   Bland månadens nedslag i konsertställen i Örebro kan jag nämna East West Sushi (där jag genom åren har upplevt 35 konserter), Scandic Grand, Stadsträdgården och lokalen, med många hyresgäster och många namn på restauranger, i källaren på Oskarsparken 1.
   Under januari fick jag också tillfälle att ta adjö av den fantastiska sångerskan Ronnie Spector. Sedan bjöd jag på ytterligare en lång redovisning av några TisdagsAkademi-möten från hösten 2020 där Olle Unenge, Janne Rindar och jag diskuterar all sköns musik mellan himmel och jord.
   På min 150-lista med bästa albumfavoriter avslöjade jag i januari placeringarna från #48 till #42: Skivor med Magnus Lindberg, Rod Stewart, Håkan Hellström, George Harrison, Lisa Miskovsky, The Bee Gees och Paul McCartney and Wings.

JANUARI 2022 FICK EN PLÖTSLIG OCH UNDERBAR start med flera fantastiska albumreleaser på sitt samvete där jag redan nu kan förbereda en plats på årsbästalistan för ELVIS COSTELLO och hans sedan länge stadiga kompband THE IMPOSTERS.
   Nya albumet ”The boy named If” sprakar och sjuder som om Costello har samma sprudlande energi nu som när han var 23 år och gjorde ”This years model”. Fantastiskt att den 67-årige Costello kan vara så nyfiken och kreativ att han kan göra ett album som är både stökigt modernt och stundtals melodiskt starkt.
   Kompbandet har utökats med gitarristen Charlie Sexton och det är kanske en förklaring på energin i arrangemangen men när jag lyssnar närmare i hörlurar hör jag tydligt hur klaviaturkillen Steve Nieve har stor del i de händelserika sekvenserna på många låtar. På en skiva som inte oavbrutet rockar vilt utan även kan presentera fina melodiska låtar som i fallet ”Paint the red rose blue” låter inspirerad av samarbetet med Burt Bacharach. ”The boy named If” är Costellos bästa album på många år.
   Annika Norlin, som låg bakom ”pseudonymerna” Säkert! och Hello Saferide, uppträder numera under sitt riktiga namn och på ”Mentor” kombinerar hon de båda inriktningarna genom att blanda svenska och engelska texter. Uppenbarligen missade jag Annikas förra soloalbum, ”Correspeondence”, för nu blir jag glatt överraskad av både sound, arrangemang och sång. Första halvan av skivan, på engelska, är huvudsakligen personlig soulpop med starka melodier och resten är ofta lika personlig men lite snabbare indiepop. Och några lugnare ballader, bland annat den fina Mattias Alkberg-duetten ”Den sista”. Jag gillar allt lika mycket.
   Det var längesedan jag koncentrerat lyssnade på ett nytt John Mellencamp-album och på ”Strictly a one-eyed Jack” märker jag direkt att tiden har gått. Okej, han har blivit 70 år och sjunger ofta med en röst som påminner om Tom Waits rufsiga lätt bluesinspirerad existens.
   Men sound och arrangemang påminner också om gamla tider, runt 1988, när han omgav sig med ett fantastiskt band ty fortfarande finns det tjejer i kören och både banjo, fiol och dragspel i kompet. Bruce Springsteen gästar på tre låtar, och drar givetvis uppmärksamhet till skivan, men men med gitarr och sång sätter han ingen egen profil på det materialet utan låter Mellencamp köra sin grej.

/ Håkan

Örebro: Prinsgatan 11-13

PRINSGATAN





UNDER LIVE AT HEART-FESTIVALENS FÖRSTA år blev det tradition att arrangera privata gårdskonserter. På bakgården Prinsgatan 11-13 arrangerades det i tre års tid tämligen spontana konserter i samband med Live at Heart. Med den rutinerade konsertarrangören Benke Wahlstedt, som hade sitt hem på just Prinsgatan, i spetsen dukades det ofta upp fika och mat för hugade intresserade.
   The Mighty Stef spelade två år, 2012 och 2013 (som jag missade), på Prinsgatan och 2014 var det dags för engelska The Din att ta plats på "scenen". Benkes dotter Mathilda Wahlstedt "värmde upp" med några egna låtar på akustisk gitarr innan bandet med sin folkmusikinfluerade popmusik sparkade igång på ett mer fysiskt sätt till hela publikens glädje.

Foto: Anders ErkmanMathilda Wahlstedt fick 2014 chansen att spela på den privata gårdkonserten på Prinsgatan ”hemma hos” sin pappa Benke.


THE MIGHTY STEF 8/9 2012 Prinsgatan
THE DIN/MATHILDA WAHLSTEDT 6/9 2014 Prinsgatan

/ Håkan

ALL TIME BEST #42: "Band on the run"

PAUL McCARTNEY AND WINGS: Band on the run (Apple, 1973)

DET VAR INGEN JUBLANDE START PÅ Paul McCartneys solokarriär efter Beatles definitiva splittring. Första skivan ”McCartney” (1970), som inte ens nådde förstaplatsen i England var närmast en demoskiva huvudsakligen inspelad i McCartneys hem.
   På ”Ram”, ett år senare, gick det bättre både musikaliskt och kommersiellt. Då hade McCartney-projektet utökats till en duo, Paul & Linda, som spelade in sin skiva i USA med amerikanska musiker. I slutet på 1971 skapades gruppen Wings, ett snabbt inspelat album (på huvudsakligen tre dagar) följdes av några uppmärksammade singlar, den politiska ”Give Ireland back to the Irish”, barnramsan ”Mary hade a little lamb och rockiga ”Hi, hi, hi”.
   I februari 1972 gav de sig ut på en oannonserad lågbudgetturné på engelska universitet och en lågt profilerad Europaturné (8 augusti 1972 i Örebro) innan Paul och bandet gick in i en ny mer professionell fas då bandnamnet, som fram till nu hade varit det enkla men anonyma Wings, ändrades till Paul McCartney and Wings.
   Förutom det äkta paret Paul och Linda hette Wings-medlemmarna Denny Laine, med 60-talsrutin i Moody Blues (det var han som sjöng ”Go now”), den amerikanske trummisen Denny Seiwell och den rutinerade nordirländske gitarristen Henry McCullough, som spelat med bland annat Joe Cocker i den ofta anlitade gruppen Grease Band.
   Våren 1973 kom albumet ”Red Rose speedway”, ett proffsigt, välljudande och omväxlande album, och bandet var nu en homogen enhet som i maj och juli genomförde en mer konventionell turné av McCartney-klass, tre kvällar på Londons Hammersmith Odeon bland annat, innan planerna på nästa skiva nästan omedelbart inleddes.
   27 juli 1973 begav sig Denny Laine och Henry McCullough upp till McCartneys skotska farm i Campbeltown för att skriva nya låtar till nästa skiva, ”Band on the run”. Paul hade fått en idé att spela in skivan någon annanstans än England eller USA och fick tips om en EMI-studio i afrikanska Lagos, Nigerias största stad.
   När allt verkade som bäst, de stora planerna var spikade och flygbiljetterna beställda var dock uppbrottet som närmast. Kvällen innan avfärd, 29 augusti 1973, meddelar både McCullough och Seiwell att de hoppar av både resa, inspelning och grupp. Kvar blev bara Denny Laine förutom McCartney-paret men det hindrade inte på något sätt resan och inspelningen. Den bistra nyheten skapade ingen panik hos Paul och bandet ty alla i trion kunde spela alla instrument, Paul är exempelvis en erkänt duktig trummis.
   Men inspelningarna i Nigeria kom ändå att handla om dramatik och vissa svårigheter. Paul anklagades för att exploatera afrikansk musik, han och Linda blev rånade under en promenad och under inspelningen i det heta Nigeria drabbades Paul av värmeslag och svimmade.
   Med det färdiginspelade resultatet och den utgivna skivan som bevis kan vi konstatera att inspelningarna hade varit lyckosamma och det skulle resultera i ett album som släpptes 7 december 1973. Innan hela albumet släpptes kom singeln ”Helen wheels” som även den var inspelad i Lagos men lämnades i England utanför ”Band on the run”-albumet.

ALBUMTITELN OCH LÅTEN ”BAND ON THE RUN” inspirerades faktiskt av ett uttalande som George Harrison gjort under ett möte på skivbolaget Apple under Beatles allra sista dagar: ”If we ever get out of here…” och jämförde sin egen situationen med en fånges. Omslaget till ”Band on the run”-skivan illustrerades också av interner på väg att fly från fängelset. Där fanns bandets tre medlemmar tillsammans med sex andra kända personer med olika ursprung: tv-journalisten Michael Parkinson, sångaren Kenny Lynch, skådespelaren James Coburn, parlamentsmedlemmen Clement Freud, skådespelaren Christopher Lee och boxaren John Conteh från Liverpool.
   ”Band on the run” blev snabbt McCartneys populäraste skiva, låg bland annat på den engelska försäljningslistan i 73 veckor och sålde under 1974 sex miljoner ex över hela världen.
   ”Band on the run” är en fantastisk skiva, då som nu. Kanske det tjutande synthesizer-ljudet känns lite daterat idag men slagkraftiga låtar, härliga refränger, omväxlande arrangemang och ett sammanhållande sound är det viktigaste.
   Wings hade trots allt lite hjälp av utomstående musiker till den här skivan. Percussionspelaren Remi Kabaka som hade varit medlem i Ginger Baker’s Air Force precis som Denny Laine, saxofonisten Howie Casey som var en gammal Liverpool-kollega till Paul och sedan också Ginger Baker själv på diverse slaginstrument. Vissa delar av skivan är nämligen inspelad i Bakers egen studio i Lagos, ARC Studio.
   Pålägg gjordes sedan hemma i London i EMI-studion där faktiskt hela låten ”Jet”, första singel från skivan, spelades in. Inspelningar gjordes även i Trident Studios i London och Tony Viscontis stråkarrangemang spelades in i EMI-studion på Abbey Road.
   Även titellåten släpptes på singel men det fanns många fler framträdande låtar på albumet. Som till exempel Denny Laines första låtskrivarbidrag till Wings, ”No words”. Den klassiska McCartney-balladen ”Bluebird”. Rytmiska ”Mamunia” vars titel härstammar från en husskylt i Marrakesh. Tungt sugande rockmusik på ”Let me roll it” och allsången på skruvade ”Mrs Vandebilt”.
   Och avslutningslåten ”Nineteen hundred and eighty five”, en anspråkslös pianodundrande rocklåt, som inte ska förväxlas med McCartney-låten ”1882” som framfördes under 1972-turnén men släpptes inte på skiva förrän 2018 på en återutgivning av ”Red rose speedway”.
   Idén till ”Picasso’s last words (drink to me)” kom faktiskt från Dustin Hoffman när Paul och Dustin strålade samman vid Montego Bay på Jamaica. Dustin, som precis höll på att filma ”Papillon”, ville att Paul skulle skriva en låt om konstnären Pablo Picasso (död våren 1973) och vad hans sista ord var innan han dog: ”Drink to me, drink to my health, You Know I Can't Drink Any More”. Skål med ett annat ord!

”BAND ON THE RUN”, den uppmärksammade titellåten på McCartney-albumet med samma namn.



/ Håkan

Tomas Skagerström 18/11: Håkan Pop, snyggt skrivet. Håller med dig./Tomas ...

Anders Welander 19/10: The Howlers från Kristianstad spelade in Suzie Q före både Rolling Stones och...

Mikael Wigström 13/10: Så fint skrivet,,har ju följt nick sedan han började,,och han är fortfarande...

Mikael Bodin 11/10: Jag var också på plats i den bastuliknande arenan och fick uppleva vad som ver...

Mikael Bodin 11/10: Jag var på en av Tyrolspelningarna och en på Trädgårn i Göteborg och kan h�...

Hanna B 18/09: Hej Håkan! Min uppfattning av kvällen på Frimis var snarare att folk var där...

Peter Forss 5/09: Jag minns låten som "Stop" från LP:n Supersession. Här en spotifylänk till ...

Per H 28/08: Omräknat till dagens penningvärde är det 213 kr, det får man inte många kon...

Per Erik Ahlqvist 28/08: Hej Håkan! Jag har undrat över en sak med just Fluru. De släpte sin debutsing...

Bengt Gustafsson 17/08: Hej Visst kan Bruce varit missnöjd med Rendezvous. Men den spelades live 57 g�...

Jag är född 1952. Skrev min första recension i januari 1970. Har medverkat regelbundet i Nerikes Allehanda i över 45 år med recensioner, krönikor, artiklar och intervjuer. I nästan samtliga fall har det handlat om musik och ur mitt långa liv som skribent har jag hämtat många anekdoter som kommer förekomma här. Med popmusikens historia som grund berättar jag också om egna erfarenheter under den långa resan. Från 50-talet till idag. Plus utförliga recensioner av både konserter, skivor, dvd och böcker. Vill du/ni få er senaste skiva recenserad? Mejla mig, så får ni adress. Håkans Pop hade premiär 22 augusti 2007 och har sedan fyllts på med både nyskrivna artiklar och arkivmaterial från 1971 och framåt. E-posta mig.